Joanne Gordon 저서 [Art Isn’t Easy] (1990) 중

번역 : 서지은 (jieun.suh11@gmail.com)




뮤지컬, 노래를 멈추고 제 목소리를 찾다

: 일요일에 공원에서 조지와 함께



조지는 캔버스에 물감을 바르고 닷은 자신에게 색을 입힌다. 이 두 사람이 각기 무대 양 옆에서 균형을 이루며 있는 모습은 영혼과 육체의 전통적인 이분법에 생생한 극적인 형태를 준다. 조지는 ‘순수한 창조성’이라는, 세속과는 매우 동떨어진 대기에서 살아가며 닷은 ‘육체의 풍성한 관능’ 그 자체이다. 닷이 옷이 더이상 맞지 않는다며 투덜거리는 대목에서는 그녀가 임신했음을 간접적으로 알 수 있다. 조지는 인정하려하지 않지만 닷의 관능이야말로 영감의 원천이다. 조지는 그녀를 그리고 또 그린다. 그의 천재성은 캔버스 뿐만 아니라 그녀의 자궁에서도 살아있다. 손드하임은 자신을 조지와 동일시할 수는 있지만 닷을 냉대하지는 않는다.


조지가 색을 칠하는 행위를 반영하던 반주는 닷이 거울에 비친 자신의 모습을 이리저리 뜯어보는 장면에서도 똑같이 흐른다. 눈썹 하나를 뽑을 때마다 종소리가 울린다. 차분하게, 조지가 바라는 집중력을 연습하려는가 하는 참에 닷은 고삐가 풀린 환상 속으로 뛰어든다. 생명력과 삶을 갈구하는 닷의 마음은 통통 튀는 캉캉 춤으로 번역되지만 이 거품은 금방 빠져버린다.  손드하임은 신나는 캉캉 리듬 뒤에 아주 느리고, 깊은 생각에 잠긴듯한 리듬을 붙이는 것으로, 다정하게 닷에게 조지가 필요하다는 것을 일깨워준다. 닷은 조지가 말했던 ‘색채와 빛’에 대해 얘기한다. 이 단어가 등장하자 다시 초점은 조지에게 맞춰진다. 조지는 캔버스에 있는 인물 하나하나에 사랑을 담아 이야기를 하고, 닷은 다시 분노한다.


조지의 붓질을 반영하는 스타카토 음들이 다시 들리고, 조지는 매우 특별한 소리의 독백을 즐긴다. 마치 제임스 조이스의 ‘율리시스’에서처럼, 이 독백은 문법이나 이성이 아닌 감정으로만 이어진 언어들이 흐르는 자유로운 구조를 지닌다. 이 곡은 조지가 캔버스에 칠하는 물감을 중심으로 조직되어있는데, 형태에 구애받지 않고 자유롭게 나열된 색 이름들 사이사이에 조지의 의식의 흐름이 배치되어 있다. 


Blue blue blue blue    파랑 파랑 파랑 파랑

Blue still sitting     파랑 아직도 앉아서

Red that perfume    빨강 그 향수

Blue all night    파랑 밤새도록

Blue-green the window shut    청록 창문은 닫혔어

Dut dut dut        덧 덧 덧

Dot Dot sitting     닷 닷 앉아있어

Dot Dot waiting      닷 닷 기다리고 있어

Dot Dot getting fat fat fat …     닷 닷이 뚱뚱해지고 있어 뚱뚱해지고…


조지는 닷이 거기 있다는 것을 알고 있다. 닷의 몸이 불고 있다는 것도 눈치 챘다. 조지는 닷이 무얼 필요로하는지 알지만 그림을 그려야겠다는 강렬한 욕구로부터 멀어질 수 없다. 조지는 ‘모자를 마무리해야만 한다.’ 열띤 창작과정과 작업실 안의 답답한 온도 모두를 가리켜 조지는 “It’s hot in here…/ Sunday / Color and light!”(“여긴 너무 더워… / 일요일 / 색채와 빛!”) 이라며, 이 작품 전체에 걸쳐 반복되는 단어와 소리 공식으로 흥겹게 표현한다:


조지는 이제 완벽하게 집중하고 있다. 조지는 닷에 대해 완전히 잊어버린다. 그는 캔버스 안 세상에 푹 빠지고, 닷은 또다시 그의 편협성을 파고들려고 노력한다. 그의 그림은 노래로 표현되고, 닷의 당장의 걱정거리는 산문체의 긴 대사로 표현된다. 조지는 자신이 창조해낸 세상을 보고 있다. 경이로운 색채와 음영의 세계. 조지의 지각도 색으로 변환된다. “It’s getting hot … 뜨거워지고 있어/ It’s getting orange…오렌지빛이 되고 있어”. 꿰뚫을 수 없는 조지의 눈빛을 이해한 닷은, 자신을 한 명의 사람이 아닌 그저 예술의 대상으로 바라보기 시작한다.  “studied like the light 빛처럼 연구되고 있어” 그러나 최면을 거는 듯한 조지의 마력을 거부하지는 못한다. 닷은 서서히 자신의 욕구를 알아차리고 조지의 천재성을 흠모하는 자신을 인정한다. (손드하임은 가사 구조를 바꾸는 것으로 인물이 사랑을 받아들이는 것을 표현한다. 닷은 산문체의 긴 대사로 공상을 시작하지만 사랑에 대해서는 시로 표현한다.) 조지도 마찬가지로 자신의 모델에 사로잡혀있다. 닷의 분명한 나르시시즘에 당황하면서도 조지는 그녀의 아름다움에 예술가로서, 그리고 남자로서 멈춰서게 된다. 닷이 영감이 원천이라는 사실은 빛과 닷을 결합시킨 조지의 가사에서 드러난다. “But the way she catches light… 하지만 빛을 받는 그녀의 모습은…”

반짝이는 창작의 소리로 반주가 돌아오면, 두 연인은 마침내 감정적 교류를 이뤄낸다. 둘은 화음을 낸다.


조지

And the color of her hair 그녀의 머리 빛깔

I could look at her 나는 그녀를 바라볼 수 있어

Forever… 영원히

닷


I could look at him 나는 그를 바라볼 수 있어

Forever… 영원히


이 목소리들의 융합은 관객과 캐릭터 모두에게 순간적인 감정이 표출되는 순간을 주지만 오래가지는 못한다. 조지는 거의 바로 다시 점으로 가득한 자기의 세상에 푹 빠지고, 폴리스 공연에 데려가기로 했던 닷과의 약속을 까맣게 잊는다. 그들의 상반되는 시점은 가사에서 뚜렷이 드러난다. 그는 잠시 흔들리지만 다시 작업에서 위안을 찾는다. “어떻게 해야 하지?” 라고 자문하는 조지는 처음에 닷과, 그녀를 실망시킨 자신의 죄책감에 집중하고 있었다. 그러나 그가 심사숙고하는 과정에서 음악이 잠시 멈추자, 그는 진정 가장 중요한 결정, 색을 고르는 것에 온 집중력이 옮겨간다. 조지가 “Red 빨강”을 겨냥하면서 망설임의 시간은 지나간다. 


무대가 다시한번 섬으로 바뀌면 조지의 세상에 살고 있는 또다른 인물들이 관객들에게 소개된다. 공격적인 뱃사람과 그의 개, 키득거리는 가게 점원 아가씨들(익살스럽게 셀레스트 1, 2라고 이름지어진), 그리고 조지의 어머니와 그녀의 보모 등. 그들은 닷이 그녀의 새 애인인 빵 만드는 루이와 함께 나타나자 흥분하며 수근거린다. 조지가 그림그리는 행동을 받쳐주는 스타카토 및 리듬 위주의 반주패턴처럼, 조지의 작업에서 중요한 요소들을 뒷받침하는 소리 패턴들이 존재한다. 모든 소문과 비판은 구성 단위로 분리, 합쳐져서 음악적 캔버스를 만든다. 그런 식으로, 조지는 소리, 모양, 색, 빛의 포격을 받는다. 알아볼 수 있는 각 단위의 음악적 정체는, 화가의 팔레트에 있는 다양한  빛깔과 대응시킬 수 있다. 이러한테 주제적 패턴은 손드하임이 스위니 토드에서 사용했던 라이트모티프와 비슷하긴 하지만 훨씬 더 분열되어있고 인상주의적이다. 


20170711. to be continued



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혼자 보기 아까운 기사가 있어 번역해봤습니다. 

원문은 아래에 링크 걸어두었으니 사진과 영상, 다른 기사도 즐기셔요-

[PLAYBILL.COM]Into the Woods Like You've Never Heard It: How a New Sound Was Created Off-Broadway
기사 원문
(click to read the original article)


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[플레이빌닷컴]새롭게 들어보는 <숲속으로>: 오프 브로드웨이, 새로운 소리의 탄생기


글: 마이클 죠이어(Michael Gioia)
2015년 2월 6일


피아스코 극단은 마법에 걸린 숲을 헤쳐나가는 새로운 길을 만들었다. 이 작은 극단이 제작한 손드하임/라파인의 뮤지컬 <숲속으로>는 서서히 유명세를 타더니 이제는 라운드어바웃시어터컴퍼니와 손을 잡고 오프 브로드웨이까지 진출했다. 그들이 만들어온 길을 한번 따라가 보자.

*


이 인터뷰를 마칠 즈음에 음악감독 맷 캐슬이 벤 스타인펠드(피아스코 극단 공동 예술감독. <숲속으로> 공동 연출자이자 ‘빵집 주인’ 役)를 보며 이렇게 말했다: “피아노에 대해서 하는 얘기를 듣다 보니 네가 ‘Baker’s Reprise’에서 부르는 ‘내가 망토라면 망토가 되는거야, 그거면 돼 (A cloak is what you make it, so you take it[각주:1])’ 라는 가사가 떠올랐어. 다 그런 거 아니겠어? 딱히 인식하고 있진 않지만 우린 다들 그렇게 살고 있는 거야. 

이 두 남자와 제시 오스트리안(피아스코의 공동 예술감독이자 빵집 주인 아내 役), 그리고 제니퍼 머지(마녀 役)는 <숲속으로>의 새로운 소리와 느낌을 어떻게 만들어냈는지에 대한 이야기를 막 마무리하던 차였다. 이 프러덕션은 2013년 뉴저지의 맥카터 극장에서 초연했고 샌디에이고의 올드 글로브 극장 무대에도 올랐다. 장난감과 상상 놀이를 활용한 연출로 극단은 완전히 새로운 숲을 창조해냈다. 관객은 상상력을 발휘해야만 작품 안에 숨겨진 마법을 보고 들을 수 있다.

오프브로드웨이 로라 펠스 극장에 들어간 순간, 관객은 마치 피아노 안에 들어선 듯한 느낌을 받게 된다. 굵은 줄을 여러 개 쳐서 배경막을 만들었고, 실제 피아노에서 들어낸 ‘피아노 하프’(=프레임+현. 피아노 내부 구조물. 우리말에는 이 부분을 뜻하는 용어는 없는 듯)를 무대 양 옆에 줄지어 세워 두었다. (게다가 이 ‘피아노 하프’에는 마이크가 설치되어 있어서 배우들이 치거나 긁거나 때릴 때 나는 소리가 극중 음향 효과로 쓰인다)

무대에는 열 명-피아노에 앉은 음악감독 캐슬까지 포함하면 열한명-의 *연기자[각주:2]들이 선다. 어중이떠중이 배우들이 사람들 모아놓고 나름대로 고전을 새롭게 해석해 보이는 자리 같기도 하다. (하지만 뭐, 자기들만 즐거우면 된다는 분위기다) 실용적이면서도 최대한 효과적인 공연을 위해 정교한 무대장치와 복잡한 음악은 다 걷어냈다. 이야기는 노래로 전달하는데, 노래는 뼈대만 남겨두었다. 동화속 각 인물을 대표하는 새로운 스타일을 만들어내기 위한 선택이었다.

극단의 공동예술감독 오스트리안의 설명을 들어보자. “초기 워크샵에서는 피아노 반주만 계속 들었어요. 음악에서 어떤 정보를 알아낼 수 있는지 집중했죠. 배우가 말하는 데에만 집중하는 건 정말 쉬운 일이에요. 대사와 가사 같은 것들요. 하지만 소리 안에 정말 많은 정보가 담겨 있어요. 우리는 손드하임이 어떤 구간에서 어떤 걸 표현하려고 했을지 생각해냈고, 맷은 그걸 단순하게 만들어서 관객에게 이야기로 전달하는 데 천재적인 능력을 발휘했죠. 어떤 것이든 이야기에 기반해서 결정하려고 최대한 노력했어요.

마녀 역을 맡은 머지가 한 마디 보탠다. “우리는 모두 음악을 통해 관계를 맺고 있어요. 빨간 망토는 장난감 피아노랑 한 쌍이고, 잭의 엄마는 기타와 밴조와 한 팀이죠. 매일 무대에 서면서 느끼는데도 늘 재미있어요. ’(소리만 듣고도) 아, 이건 잭네 가족 테마곡이군’ 뭐 이런 식인 거죠. 거기 다 들어 있어요, 그런데…"
“그건 그들의 작은 세상의 한 부분이죠.” 음악감독 캐슬이 마무리를 지으면서 자신도 모르게 “Our Little World”라는 노래 제목을 인용한다. 이 곡은 <숲속으로> 런던 초연때 추가된 곡으로, 마녀와 라푼젤을 나머지 세상으로부터 분리시키는 곡이다. 보통 이 곡을 생략하고 공연하는 경우가 많은데 피아스코 극단은 이 곡을 사용했다.

동화마다 “작은 세상”을 만드는 것은 이들이 초기 워크샵부터 고집해온 부분이다. 오스트리안은 “프롤로그에서 나오는 세 가지 장소를 무대 중앙에서 한꺼번에 연출하고 싶었어요. 흔히들 세트를 세 개로 나누어 진행하지만, 우리는 어떻게 하면 각자 다르게 들릴 수 있을지에 대해 이야기를 나눴죠.” 라고 말했다.
예를 들어, 잭과 그의 어머니의 경우엔 이런 식이었다고 한다. “이 가족은 농장을 운영하고 있어. 우리가 마침 블루그래스 악기를 좀 다룰 줄 아는데, 한번 그냥 이걸로 해보면 어떨까?"

피아스코 극단은 각 동화마다 동기(motif)를 새로 만들었다. 잭과 잭의 어머니에게는 블루그래스/어쿠스틱한 소리를 주었고, 신데렐라의 새들은 공기를 가르며 휘파람을 분다. 장난감 피아노 소리가 나면 빨간 망토가 등장하고, 빵집 주인은 가끔 기타를 들고 나타난다.

“마녀 코드 얘기 해야지!” 오스트리안이 캐슬을 부추겼다.
“아, 이 코드는 마녀랑 관련되어 자주 등장합니다. 마녀가 등장해서 누군가에게 겁을 줄 때, 이 소리가 나죠.” 설명에 이어 캐슬은 마녀 모티브를 연주했다. “사실 작품 여기저기에서 굉장히 자주 등장하는 코드에요. 그런데 보시다시피 전 손이 두 개 뿐이라 기본 반주 하기도 바빠요. 손가락이 모자라죠. 그래서 기타로 표현해볼까도 생각했어요. 그런데 코드에 음이 너무 많아서 기타로는 안되겠더라구요. 그래서 다같이 고민을 했죠. '우리가 뭘 할 수 있을까? 이 음들을 연주하도록 고안된 오토하프가 있으면 어떨까?’ 그리고는 바로 일을 벌였죠. 우리는 오토하프를 구해왔고, 필요한 음만 연주할 수 있도록, 오토하프 안에 있는 펠트 천을 손수 잘라냈어요[각주:3]. 진짜 멋있어요. 아무리 험한 태풍이 와도 이 오토하프로 다른 소리를 낼 수는 없을걸요? (너무 의역했나...그냥 튼튼하다는 뜻인가)

하지만 오토하프를 비롯해서 소리내는 수많은 물건들을 어떻게 구해온 걸까? 오스트리안에 따르면 맥카터 극장 소품실에서 한 보따리, 음향 디자이너 대런 웨스트가 또 한 보따리 가져다 주었단다. "탁자에 수북이 쌓였었죠"

“워터폰은 대런이 가지고 왔어요.” 음악감독 캐슬의 말이다.
워터폰이 대체 뭐지? 궁금한 당신을 위해 위키피디아를 활용하자면, “불협화음을 내는 어쿠스틱 타악기. 스테인레스로 된 울림통 혹은 원판에 실린더처럼 생긴 넥 부분이 달렸고 원판 주위를 따라 각기 길이와 굵기가 다른 구리 심이 박힌 형태의 악기”란다.
혹은 머지의 표현으로는 “저기 있는 완전 간지나는 거 저거예요!”다. 머지는 (관객석에서 본 방향에서) 무대 좌측, 십여가지의 다른 악기들 사이에 끼어있는 워터폰을 가리키며 말했다. “<반지의 제왕>에서 나즈굴이 내는 소리 알죠? 그런 소리를 낸답니다.” 캐슬이 다시 한번 설명을 해주었다.

2006년, 손드하임과 조지 퍼스의 액터-뮤지션 <컴퍼니>[각주:4]에서 연기자로 활약하기도 했던 음악감독 맷 캐슬은 이 프러덕션이 무에서 유를 창조해낸 것이라 밝혔다. 저작권 관리사인 Music Theatre International(MTI)와 작곡가 스티븐 손드하임, 작가 제임스 라파인은 피아스코 극단에게 피아노 반주만으로 하는 공연권을 허가해주었다. 단, 조나단 튜닉의 원래 편곡을 전혀 사용하지 않는 조건 하에서. 캐슬을 비롯한 극단 단원들에게 이는 별로 큰 문제가 아니었다. 튜닉의 편곡을 일부만 이용하기에는 흐름상 맞지 않을 거라는 판단을 했기 때문이다. 리허설 초기에 단원들은 아무것도 없는 상태에서 누가 뭘 연주하면 좋을지 발견해나가기 시작했다. 배우들이 내놓은 아이디어를 토대로 소리와 스타일이라는 살을 붙여나갔다.
“어떤 배우들은 ‘나 악기 한 열 개 정도 연주할 수 있어’ 라고 했고, 다른 사람들은 ‘난 연주할 줄 아는 악기가 하나도 없어’.” 캐슬의 설명에 이어 머지가 심벌즈를 쨍 하고 두드리며 끼어든다: “내가 바로 그 사람 중 하나였죠!”

손드하임과 라파인은 공연권을 허락해준 데 더해 이 새로운 컨셉을 적극적으로 받아들였다. 극단이 “첫번째”와 “두번째” 자정 장면을 생략하기로 결정하고도 별다른 진전을 보이지 못하자, 작가 라파인이 직접 조언을 해주기도 했다.

“연습할 때는 버젼이 엄청 많이 나왔어요. 다 시도해봤는데, 다들 너무 하고픈 얘기가 많아서 자꾸 우리 자신으로 돌아오는 거에요, 근데 각자의 사연을 토로하는 모습을 관객들은 이미 봤을거잖아요?” 머지의 말이다. “우리가 이야기를 하는 방식에 있어서 이 부분은 사족일 뿐이었죠…”
“순서도 바꿔봤던 거, 기억 나?” 캐슬의 말이다.
오스트리안이 받아 말한다. “맥카터 극장에서 프리뷰 공연을 할 때에는 몇가지 시도를 해봤어요. 근데 제임스 라파인이 와서 공연을 봤죠…” 라파인의 조언은 다음과 같았다: "그냥 빼!"

맥카터와 올드 글로브 극장에 이어 <숲속으로>는 1월 22일, 오프 브로드웨이에 도착했다. 그동안 불변의 진리였던 <숲속으로> 공연 스타일에 새로운 시선을 더했다는 긍정적인 평가를 얻고 있다.

“'폭발한 피아노'라는 컨셉은, 우리 프러덕션의 중심에, 그러니까 물리적, 음악적, 감성적인 중심에 피아노가 있을 거라는 걸 안 순간 생겼어요.” 공동 연출인 스타인펠드의 말이다. “또 다른 이유는, 우리 음향 디자이너가 찾아낸 것 때문인데요, 사람들이 피아노를 버린다는 내용의 기사였어요. 우린 모두 그 이야기를 듣고 기분이 나빴죠. 트럭 뒤에서 밀려나는 피아노의 모습. 그 혼란과 파멸, 슬픔은 묘하게도 작품 안에 있는 죽음의 기운과 공명하고 있다는 생각이 들었죠. 어떤 물건이 내 삶과 어떠한 관계를 맺고 있느냐에 따라 깊은 의미를 지니거나 혹은 아무런 의미가 없게 된다는 것도 말이죠. 그래서 (세트 디자이너) 데렉 맥클레인은 이걸 가지고 작업하기 시작했어요. 이 작품이 상대성과 관점, 그리고 세상에 대한 시각을 바꾸는 것들에 대한 이야기를 하고 있기도 하니까요. 그게 우리의 감성적, 개념적 틀입니다.”

“우리가 계획적으로 꾸며놓은 무대적인 틀은, 그러니까 그 수많은 물건들로 만든 무대는, 물려받은 것들에 대한 우리의 관심과, 어릴 적에 -우리같은 어른아이들은 현재 진행형이지만-뭔가 집어들고 그것에 의미를 부여해주면, 그 물체는 그 의미가 되는 거 있잖아요, 그걸 원했던 거예요. 100년이 넘은 물건들이 즐비한 이 “기억의 다락방”에서 우리가 붙들고 싶었던 정서죠. 그 당시의 물건들은 여전히 남아있지만 사람들은 다들 사라졌죠. 그 사람들이 우리에게 남긴 것들에 우리가 어떤 빚을 지고 있는지 찾아내고, 우리가 그걸 넘겨줄 때가 되면 어떻게 할 것인지, 그걸 찾아보려고 노력하고 있어요.
빵집 주인의 말처럼, “망토라면 망토인거야”, 그리고 피아스코 극단은 바로 그 말대로 했던 것이다.

(Playbill.com 스태프 기자 마이클 죠이어는 플레이빌 누리집의 뉴스, 특집 및 비디오 분야 뿐만 아니라 플레이빌 잡지에도 기고하고 있다. 트위터는 @PlaybillMichael.)


우리말 옮긴이_서지은(@shazslair)
수정할 거리 및 의견 교환 환영합니다 :)


  1. 세상에 존재하는 것들에 우리는 의미를 부여해준다. 빨간 망토에게는 그것이 그냥 옷일 뿐이지만 빵집 주인에게는 '망토=아이' 이다. - 부연설명 by 내 친구 Hannah P. from NZ [본문으로]
  2. 역주: 글쓴이는 배우actor 대신 연주자player라는 단어를 주로 사용하고 있다. 나는 ‘연기자'로 지칭한다 [본문으로]
  3. 역주:기사 원문의 마지막 페이지에 맷 캐슬이 나오는 짧은 영상이 있는데, 이 영상에서 오토하프에 대한 설명이 자세하게 나온다. [본문으로]
  4. 역주: 2006년 연출가 존 도일의 지휘하에 뉴욕에서 공연되었다. 배우가 악기를 맡아 연주하며 연기하는 액터-뮤지션의 형태로, 맷 캐슬은 당시 피터 役 [본문으로]
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